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Arte y filosofía, Vincent van Gogh y Nietzsche

06/2016

Iglesia van Goghvan gogh ficha        

 

 

 

1. Presentación

La Iglesia de Auvers-sur-Oise es una de las últimas obras de Vincent Van Gogh antes de morir, donde podemos observar un camino dividido que arremolina la iglesia por ambos lados. En 1890, Vincent estaba intranquilo, quizás turbado, y sus preocupaciones quedaron reflejadas en esta pintura donde posiblemente se debatía entre el camino de la vida o de la muerte.

 

Coetáneo de Nietzsche, ambos desdichados y solitarios murieron en la locura. La incomprensión de Vincent, su fama incipiente y la muerte en su mejor momento, sólo sugiere de lo que era y de lo que hubiera sido capaz de crear. Según Nietzsche, los filósofos tenían que ser artistas, creadores, con el fin de expresar totalmente sus pensamientos.

 

Queda reflejado en esta pintura su estado de ánimo de angustia y desconsuelo. Quizás Van Gogh expresaba inconscientemente su sufrimiento en esa fascinante y sombría iglesia pintada en los últimos meses de su vida, donde aparecen los fantasmas que amenazaban su espíritu y que quizás le llevaron a automutilarse una oreja.

 

El juicio definitivo sobre qué es arte y qué no es arte, lo da el tiempo, y esta obra de Vincent van Gogh hoy día perdura: es arte. Vincent abrió una nueva forma de pintar, de expresar los pensamientos, las emociones, porque liberó definitivamente la subjetividad de las estrecheces a la que había sido sometida a lo largo de los tiempos.

    

    

2. Análisis formal

Se percibe que todo el conjunto está en constante movimiento. El cielo de un azul oscuro recuerda a su técnica de la pincelada en espiral de su Noche estrellada de 1889. No se ve el mundo como algo estático sino como un fluir constante que parece animado por la vida.

    

En el conjunto de la obra predominan los colores fríos: azul, verde, violeta. Sólo el anaranjado de algún tejado produce un pequeño contrapunto, por lo que la luminosidad y el contraste son poco acusadas en esta obra pictórica donde la luz procede de lugares inencontrables.

    

Se utilizan deliberadamente los colores intensos, homogéneos, fríos, en lugar de colores realistas, quizás para reflejar las intenciones del artista en mostrar su sentimentalismo, aumentado éste, por las retorcidas formas de la construcción. El cielo diurno no tiene transparencia, es opaco, duro, pesado, metálico, como una fatal tormenta en la inmensidad del Hades.

    

El toque es personal y característico de van Gogh, un acabado pintado a lo valiente, con trazos fuertes y seguros, sólo para emociones puras.

    

    

3. Análisis del contenido

Imagen iglesiaLa obra de se inspira en la capilla del mismo nombre. La iglesia que se alza sobre una colina levemente elevada a pocos kilómetros de Paris, fue fundada a finales del siglo XI por Felipe I, luego reconstruida bajo la dirección de Adelaida de Saboya. De estilo románico tardío en los capiteles, cambió al estilo gótico temprano con ventanas arqueadas y bóvedas de crucería a medida que se remodelaba y ampliaba a lo largo de la historia.

    

    

Para van Gogh la iglesia no tenía ningún significado histórico. Hace uso de la exageración, de la deformidad y de los colores fríos para poder expresar y comunicar su estado anímico angustiado, quizás desesperado.

    

Iglesia van GoghLa iglesia no irradia luz propia, parece estar interiormente oscura, como una noche opaca.

    

La campesina discurre furtivamente, con prisas, como queriendo llegar rápidamente a algún lugar animada por el propio camino que la incita a seguir caminando.

    

    

    

    

4. Significación histórica-artística

Esta obra de van Gogh se enmarca dentro de la vía expresiva del postimpresionismo, un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Los representantes más importantes de este estilo son: Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Signat y Van Gogh.

    

El postimpresionismo rechaza el naturalismo impresionista. Sin menospreciar la luz, los postimpresionistas recuperan la importancia de la forma y el color que se aplica en superficies amplias con pinceladas sueltas y superpuestas.

    

Van Gogh abre las puertas al expresionismo del siglo XX que trata de conmover al espectador, porque incorpora en sus obras la expresión de las emociones. Esta cualidad ya fue avanzada por Goya en el Romanticismo. Su trascendencia para la evolución del arte es, si cabe, mayor que la de los pintores impresionistas y los demás postimpresionistas.

    

    

5. Conclusión

Esta obra artística refleja el advenimiento de un cambio radical en la cosmovisión del siglo XIX. Nietzsche abominaba de un mundo dominado por los dogmas y el fanatismo, y van Gogh rehuía de un mundo artístico dominado y dirigido por los academicistas. Ambos no trataban de complacer a nadie, porque buscaban nuevas formas de entender y expresar la vida sin estrecheces morales y estéticas, buscaban de forma racional uno, y estéticamente el otro, crear el nuevo mundo moderno.

    

Muchas coincidencias entre ambos coetáneos: hijos de pastores protestantes, rebeldes, incomprendidos, rechazados por una primera mujer para que nunca más tuvieran una relación estable con ninguna otra, ambos con hermanos que influyeron en sus vidas, también una muerte indeseable, pero sobre todo, los dos fueron liberadores en cierto modo de la humanidad. Nietzsche quiso liberarnos de la tutela moral establecida, de la eticidad de la costumbre, y van Gogh de las normas del color y de la subjetividad constreñida, de la esteticidad del arte, por así decirlo. Sus influencias fueron determinantes para los años venideros.

    

Para Nietzsche, los filósofos tenían que ser artistas: Vincent van Gogh “el genio pelirrojo” era ambas cosas, filósofo de la vida y artista. 

    

La iconografía de ambos se luce en las camisetas hoy día: es filosofía y es arte.           nietzsche2vincent van gogh

Arturo Gradolí.

@ArturoGradoli

Novembre de 2014

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